The history of a video Part 6 (techie stuff)

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And so it was August 28th 2015. The two very intense shooting days were behind all of us and I felt kind of relieved, although I knew my work wasn't finished at all. Indeed what I had now was a huge amount of data to use for the final sync. After the weekend I knew what my plan was. First of all auditioning the takes recorded on day two and choosing the best one for each song. Therefore on monday I loaded my Pro Tools system to sort out the tracks which luckily (and as I expected) were already laid out in synched sessions one after the other and correctly marked. Emanuele and Stefano had made a great job. Recording levels were spot on and I spent half a day drafting a quick mix. At the end of it I knew which takes to choose and I gave a different colour to their multitrack sessions to recognize them visually on the edit page. Then I started mixing. It took me just three days in the overwhelming September heat to mix the whole lot or at least most of it. It could seem to be a very short time but yes, I'm a fast mixing guy. I used less possible plug-ins (I was mixing in the box) and I used my ears a lot more than my eyes in the process. If you have a clear idea of the sound you want you don't really need a lot of options, believe me. Actually the less the options, the better the mix is to me. I had good sounding plug-ins to rely on and I used them only when strictly necessary for correction purposes. I just like to use a mix to represent the way something naturally sounds in reality. This is obviously my personal way of thinking, but it allows me to be very fast and effective. What I've learnt in my experience (and after having mixed tons of music on huge desks as well as small systems) is that when you have a sound in mind, you make decisions and stick to them 'cause if you get in the "going back and forth" mode you can end up never finishing a mix at all. Indeed there's no definition of a "finished mix". It depends on who's mixing. Some engineers are better than others because they can interpretate the tracks, blending them together in a workable way and in no time at all. What's the secret to me? Taste. Full stop. And it takes years of critical listening to acquire it. Your taste is what defines your mix. Clearly you need to know your stuff. But the point is that before starting a mix you've got to have it clear in your mind. Once you have it you can then start to "tweak", but only with the aim to achieve your soundscape. At this stage of the work your technical competence is very important.

Pro Tools is the system I've been using for more than a decade now although I had been using Logic Audio for a long time. I was actually forced to use Pro Tools when I got at Sphere Studios as it was and still is the industry standard digital platform and got so used to it that I then went to become a certified Operator and teach it at the Alchemea School of Sound for three years. It's a comprehensive software, solid and well designed, but the best thing about it is that it resembles an old school split or in-line analog desk, a bit like the SSL ones I used to work on. Hence when I moved to PT I knew how to find my way in the maze. And so here I was with my five takes ready to be mixed and as I said it took me three days to lay down 90% of the work.

The rythm section didn't need much work at all. I was really pleased to hear that the actual captured sounds of it were really good and solid, although the entire recording process had been a "blind" one as we had no means of monitoring the sources in the theatre (I had checked the position of every mic on stage myself after they had been placed by the two technicians, just out of experience). The bass was a D.I.'d one and it was easy to work. I just decided to reamp it through an Ampeg simulation in Amplitube and that was it. As for the skins, my way of mixing them (or rather of making them sound alive) is quite standard. I have certain plug-ins I use to give the kit a sound that can be as close as possible to something coming from a tape, including the soft compression on the single tracks. A few spices here and there gave me the right flavour. I had recorded top and bottom snare too and this is the reason you can hear each ghost note very clearly in the final mix. I absolutely love a drummer's personal way with ghost notes and I knew Lorenzo is a very expressive drummer. Hence I wanted to capture the details. I don't use much compression on the single tracks of a kit and don't like those which are mixed too brittle to my ears. Instead I wanted smooth yet powerful sounding drums, basically Lorenzo's sound, and for this reason I didn't EQ much of it except for some adjustments on the kick as well as the overall kit bus. A touch of very light parallel compression did the rest of the trick.

As for the other instruments, I used the three mics of the Leslie and just added a couple of dBs of D.I. to get a solid bass. I just loved the sound that came through the tracks as it had the right amount of drive and warmth. The piano was a D.I. stereo pair that I barely treated with some EQ. Fabrizio's guitar sound was the one I wasn't keen on as the source was quite muddy to my ears and therefore I reamped its D.I. throug a Mesa Boogie Amplitube simulation. My guitar was a stereo direct out from my Line 6 combo and didn't need any treatment at all except for a gentle bass rolloff. Finally I was concerned about my voice as I wasn't sure of the source quality. But after listening to its track I was very relieved. I decided not to perform any kind of editing and I just used the usual blend of EQ, compression and a subtle de-essing. As for the overall room sound, I had a couple of room microphones placed in the hall, but I wasn't happy at all with the sounds. Too many technical reasons to explain here, but I decided to create a room simulation for the theatre ambience instead of using the room mics.

The most boring part was automation 'cause I like when the mix doesn't need any because the dynamics are already in place. This was the case with the five songs, yet a few volume adjustments were needed. Actually, the more channels are used the more automation is required and this was the reason I didn't want more than 24 tracks in total (although we were a five piece band) and considering that most tracks were a D.I.ed double I reckon the real number of mixed tracks didn't go over 20. Less stuff, less phase problems, less time wasted, better results. I'd like to point out a very important thing: there was virtually no editing made on the tracks at all. Actually I must confess that I can't stand performing cut & paste editing any more. I find it vulgar. We played the way we played and that was it. Honest and true. Hence what you hear in the video is the real live sweaty performance. No catch.

I also decided to perform the mixes while mastering at the same time. Obviously I'm talking about the part of mastering that only deals with the sound for obvious reasons as I didn't need to produce a RedBook CD. I won't recommend anybody to do what I did as it is a very tricky method that requires a lot of experience. Yet it gave me the chance to control the overall tone of the songs as well as the maximum volume on the fly. I'm not fond of loud masters but mostly I can't stand overcompressed ones. Hence I treated my songs with velvet gloves and I believe the result is very far from any ear fatiguing contemporary standard.

I really enjoyed the whole process and by the end of the week I had the mixes ready to be loaded into Adobe Premiere for video editing.

To be continued...


E cosi' arriviamo al 28 agosto 2015. I due intensi giorni di riprese erano dietro a tutti noi e mi sentivo appena sollevato, anche se sapevo che il mio lavoro non era affatto finito. In effetti quello che avevo ora in mano era una enorme quantita' di dati da utilizzare per la sincronizzazione finale. Dopo il fine settimana avevo chiaro il piano di lavoro. Prima di tutto ascoltare le takes registrate il secondo giorno e scegliere la migliore per ogni canzone. Percio' il lunedi ho caricato il mio sistema Pro Tools per mettere a posto le tracce che per fortuna (e come mi aspettavo) erano gia' disposte in sessioni sincronizzate una dopo l'altra e correttamente indicate. Emanuele e Stefano avevano fatto un ottimo lavoro. I livelli di registrazione erano esatti e ho trascorso una mezza giornata a buttar giu' un mix veloce. Alla fine ho deciso le takes da usare e ho dato un colore diverso alle loro sessioni multitraccia in modo da riconoscerle visivamente nella edit page. Poi ho iniziato a mixare. Mi ci sono voluti solo tre giorni nella insopportabile calura di Settembre per mixare piu' o meno tutto. Potrebbe sembrare un tempo molto breve ma effettivamente mi piace mixare velocemente. Ho usato meno plug-ins possibili e impiegato le mie orecchie molto piu' che i miei occhi nel processo. Se si ha una chiara idea del suono che si vuole, non si ha poi realmente bisogno di un sacco di opzioni, credetemi. In realta' secondo me meno opzioni ci sono, migliore viene fuori il mix. Avevo buone plug-ins su cui contare e le ho usate solo quando strettamente necessario a fini correttivi. Mi piace mixare tenendo conto del modo in cui qualcosa suona naturalmente nella realta'. Questo e' ovviamente il mio personale modo di pensare, ma mi permette di essere molto veloce ed efficace. Quello che ho imparato nella mia esperienza (e dopo aver mixato tonnellate di musica su grandi banchi analogici così come su piccoli sistemi) e' che quando si ha un suono in mente si prendono delle decisioni e ci si attiene ad esse perche' se si incomincia ad avere dubbi si puo' finire per non chiudere mai un mix. In effetti non c'e' una definizione di "mix finito". Dipende da chi mixa. Alcuni ingegneri sono migliori di altri, perche' riescono ad interpretare le tracce, mixandole in un modo praticabile e in un batter d'occhio. Qual e' il segreto per me? Il gusto, punto. E ci vogliono anni di ascolto critico per ottenerlo. Il gusto e' cio' che definisce un mix. Chiaramente e' necessario sapere cosa si fa. Ma il punto e' che prima di iniziare un mix bisogna avere chiaro in mente il mix stesso. E per averlo chiaro bisogna aver ascoltato tonnellate di musica di generi diversissimi. Una volta chiaro il mix in testa si puo' passare a "smanettare", ma solo con l'obbiettivo di raggiungere quello che si ha in mente. In questa fase di lavoro e' chiaramente importantissima la preparazione tecnica. Pro Tools e' il sistema che ho usato per piu' di un decennio, anche se per molto tempo ho usato Logic Audio. In realtà sono stato costretto ad utilizzare Pro Tools quando sono arrivato agli Sphere Studios perche' era ed e' tuttora lo standard dell'industria e mi ci sono cosi' abituato che ne sono diventato Operatore certificato e l'ho insegnato alla Scuola Alchemea of ​​Sound per tre anni. Si tratta di un software completo, solido e ben progettato, ma il suo aspetto migliore e' che assomiglia ad un banco on-line o split, un po' come gli SSL su cui lavoravo. Quindi, quando sono passato a Pro Tools sapevo come districarmi. Ed ora ero con i miei cinque brani pronti per essere mixati e come ho detto mi ci sono voluti tre giorni per metter giu' il 90% del lavoro.

La sezione ritmica non aveva bisogno di molto lavoro. Sono stato veramente contento di sentire che i suoni catturati erano davvero buoni e solidi, anche se l'intero processo di registrazione era stato "alla cieca", poiche' non si potevano monitorare le sorgenti in teatro (avevo controllato in base alla mia esperienza la posizione di tutti i microfoni piazzati dai due tecnici sul palco). Il basso era una traccia D.I. ed era facile da lavorare. Ho deciso semplicemente di riamplificarlo con una simulazione di un Ampeg in Amplitube. Per quanto riguarda la batteria, il mio modo di mixarla (o meglio, di farla sembrare viva) e' di abbastanza standard. Uso alcune plug-in per dare al kit un suono il piu' vicino possibile a qualcosa proveniente da un nastro, compresa la compressione morbida sulle singole tracce. Poche spezie qua e la' mi hanno dato il giusto sapore. Avevo fatto registrare il rullante sia sopra che sotto e questo e' il motivo per cui si possono sentire tutte le ghost notes molto chiaramente nel mix finale. Apprezzo il modo personale di un batterista di suonare le ghost notes e sapevo che Lorenzo e' un batterista molto espressivo. Quindi volevo catturare ogni dettaglio. Io non uso molto la compressione sulle singole tracce di un kit e non mi piacciono quelli mixati troppo brillanti per le mie orecchie. Invece volevo una batteria dal suono vellutato ma potente, fondamentalmente il suono di Lorenzo, e per questo motivo non ho usato molta equalizzazione ad eccezione di alcune modifiche sulla cassa e sul bus generale. Un leggero tocco di compressione parallela ha fatto il resto. Per quanto riguarda gli altri strumenti, ho usato i tre microfoni del Leslie ed appena aggiunto un paio di dB di D.I. per ottenere un basso solido. Mi e' piaciuto molto il suono delle tracce che aveva la giusta quantita' di distorsione e calore. Il pianoforte era una coppia stereo D.I. che ho appena equalizzato. Il suono della chitarra di Fabrizio era quello di cui non ero particolarmente entusiasta perche' la fonte mi suonava poco definita e quindi l'ho reamplificato con un Mesa Boogie Amplitube. La mia chitarra era uno stereo direct out dal mio Line 6 Duoverb e non ha avuto bisogno di alcun trattamento tranne che per una leggera attenuazione dei bassi. Infine ero preoccupato per la mia voce perche' non ero sicuro della qualita' della fonte. Ma dopo averla ascoltata ho deciso di non eseguire qualsiasi tipo di modifica e ho solo usato la solita miscela di EQ, compressione e un sottile de-essing. Per quanto riguarda il suono d'ambiente, avevo fatto piazzare due microfoni di sala, ma non ero affatto felice della registrazione. Troppi motivi tecnici da spiegare qui, ma alla fine ho deciso di creare una simulazione per l'ambiente del teatro invece di utilizzare i microfoni.

La parte piu' noiosa e' stata l'automazione perche' preferisco quando il mix non ne ha bisogno perche' le dinamiche sono gia' perfette. Questo e' stato il caso delle cinque canzoni, ma sono state comunque necessarie un paio di automazioni. In realta' piu' canali vengono utilizzati piu' e' necessaria l'automazione e per questo motivo non avevo voluto piu' di 24 tracce in totale (pur essendo una band di cinque elementi) e considerando che la maggior parte delle tracce erano dei doppioni in D.I., credo che il loro numero non sia stato maggiore di 20. Meno roba, meno problemi di fase, meno tempo sprecato, risultati migliori. Vorrei sottolineare una cosa molto importante: non e' stato fatto praticamente alcun editing sulle tracce. Devo confessare che ormai mal digerisco i cut & paste. Li trovo volgari. Abbiamo suonato come abbiamo suonato e questo e' quanto. Onesti e veri. Quindi quello che si ascolta nel video e' la vera performance dal vivo. Nessun trucco. Ho anche deciso di effettuare mix e mastering allo stesso tempo. Ovviamente parlo del mastering che si occupa solo del suono per ovvi motivi poiche' non avevo bisogno di produrre un CD RedBook. Non consiglio a nessuno di fare quello che ho fatto perche' e' un metodo difficile che richiede molta esperienza, ma mi ha dato la possibilita' di controllare allo stesso tempo la timbrica generale dei brani ed il loro massimo volume. Non sono appassionato di mastering spinti, ma sopratutto non sopporto quelli overcompressi. Quindi ho trattato i brani con cautela e credo che il risultato sia molto lontano da qualsiasi standard contemporaneo che tende ad affaticare l'orecchio. L'intero processo mi e' piaciuto parecchio ed alla fine della settimana avevo i mix pronti per essere caricati in Adobe Premiere per l'editing video.

To be continued...

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