The history of a video Part 4

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Finding the right people to work with is a key element when you have a clear vision of what you want. It's a tough task too because most of the time the right people are not necessarily the "best" at one particular skill. Of course competence is paramount, but the most important thing is that they MUST see your vision. It's useless to work with the best musicians around if they don't get your music, as well as it's useless to work with incredibly skilled video makers who can't understand what you want. In this venture of mine, as I have already many times pointed out and will probably do again, I knew exactly what I wanted and I was absolutely sure it could be achieved with a good team of young and enthusiastic people as long as they saw what I saw. That's what I'm very proud of, the fact that I found the right people for the job.

There's probably hundreds of musicians around who are technically very skilled. Especially in this era of global over information. Every day I see some new "talent" on YouTube. Kids that would technically blow me away on the guitar. But that's not what I believe art is about nor what team work means. Most of these new "talents" I see on YouTube (luckily I haven't had a TV set for a decade now) are "one man shows". They can play as fast as hell but they can't get a single bit of emotion through their playing, nor they probably understand what playing as an ensemble means. I could have gone for some of these guys (there are plenty of them around here too). But I had to follow my instinct, again, which has been telling me for years now not to share the stage with such players. I just wanted solid, easy going young lads who could see what I had in mind and possibly feel what I feel when I play my music. And I found them. I bet the most unusual thing that they noticed when they dealt with me was my approach during rehearsals. I've been in bands for years and I reckon it was because of my approach that I got so close to be signed in the USA with my former band. I also made the experience to play with some musicians who would practically not rehearse at all, being confident of their technical skills and able to learn the parts perfectly, but this method doesn't take into any consideration the emotional side of music, which I believe has very much gone lost especially in contemporary jazz. In reality, I like to spend plenty of time rehearsing. Not to learn the parts though. That's less important albeit fundamental. I like to rehearse because I love building the dynamics of the band with the only purpose to serve the lyrics and ultimately the expression of emotions. Ideed I write the entire arrangement with the lyrics in mind. Yes, I'm a very emotional singer and guitar player and the thing I really hate the most is the lack of dynamics in my music. I just can't stand it. It's like heresy to me! So, while other musicians get fixated on the parts in a sort of maniacal attitude, I get very fussy about dynamics. And groove, of course. When I started rehearsing with the guys, I noticed their bewildered gazes and at the same time I was sniggering. They sensed they were getting into something unusual and good.

Having found the band, the location, the cinematographer, the director and the cameramen, I had to think about the audio recording of the concert. The first thing to do was to find the service. I knew the owner of one I worked with for some time a few years before in my town and around. At that time I had just got back from London and I was recovering from my depression. His name is Pasquale Saltalamacchia and I phoned him a few months before the scheduled shooting to ask him if he could help me in my effort. We discussed a deal (pretty much the same one I had made with the theatre) and he agreed, asking me to just pay a daily fee to Stefano D'Errico, stage technician and assistant recordist. These two deals saved my ass in terms of budget. Indeed I was trying to produce something that would look very expensive with virtually no money at all. I will never stop thanking the Tata' Theatre and Pasquale's Saltuin Recording Service for the help they gave me. I couldn't have made it without them.

As for the sound recordist (I love this vintage denomination) I talked to another young and talented one, Emanuele Corasaniti, who had also been a pupil of mine in the mentioned course. He's a very hard worker who's gaining tons of experience in the live audio engineering field. He was enthusiastic about the project and accepted to work in the team.

The setup had to be very simple. 23 channels (mics and lines) going into a Behringer X 32 desk with MIDAS preamps and then straight flat in my Pro Tools system. 23 tracks recorded live to be synched to the footage. Again, every single technical bit was in my mind and I knew what I was doing. If I think about myself I sometimes don't believe to what I've achieved until now in terms of know-how. Average musicians have very poor recording skills, almost no mixing skills at all, definitely no mastering ones. Consequently they can't even possibly imagine how to setup a full band live recording session. Well, luckily I have these skills too. When I was in London I studied sound engineering and ended up teaching it for nine long years. At the very beginning I was teaching Logic Audio in the music technology department, and how to use a glorious SSL G+ desk and Studer A800 tape machines in the sound recording one. Gradually I moved to Pro Tools and digital desks. Finally I ended up working at Sphere Studios (now relocated to Los Angeles), one of the biggest facilities in town. There I cut my teeth watching people like Chris Kimsey, Glyn Jones and Don Gilmour working with artists like Duran Duran, Muse, Queen, Narada Michael Walden, Andy Fairweather-Right, David Sylvian and more. There was a time in 2004 when in a few occasions I had Simon Le Bon knocking at the door of Studio 2 where I was mixing some stuff on the huge SSL J 72 and coming to sit beside me to listen to my work. Most of the times he liked it. That was a hell of an experience I made. And that's why I could do what I did this year.

I obviously took some time to plan the whole setup. I put it on paper months in advance and sent emails to crew and band. I wrote down a layout of the stage and positioned the instruments on it in a symmetrical way. Bass player on the left and drummer on the right of the stage and Lorenzo, the drummer, rightly suggested to invert the position of the instruments to allow the bass player to watch him hitting the hi hat. Hence the band layout now had Fabrizio on guitar far left, Lorenzo on drums centre left, Pierpaolo on bass guitar centre right and Fabio on keys far right. I was in the centre of the stage with my faithful old Line 6 Duoverb amp just behind me. I wanted two linked monitors in front of me while the other band members had one each. The reason why I wanted two monitors could seem to be because I want loudness. Actually it's exactly the opposite. As I said, I don't like loud sounds. Having two monitors instead of one means you can have a more spread sound, avoiding to overdrive just one speaker. A more spread sound allows me to keep the monitors quieter than just one (I hate earpieces and I think I will never use them on stage). This obviously is a lot better when recording is taking place too, allowing to keep mic spillage under control. Also, I don't want any of my guitar in the monitors as the 120 Watts of my stereo combo are more than enough for me to prefectly hear it and I don't like loud vocals in the wedges too. Just a tiny bit to avoid going out of tune. I really don't get singers who want their voice loud in the monitors. I tend to think this is the very first sign of poor talent and lack of professionality. How could you have the vocals so loud in your monitors that you can barely hear everything else? A good mix is needed on stage too, I believe, and if you want loud vocals in your monitors it means you don't even know how to listen to yourself using your inner ear. Let alone the fact you're causing stress to the monitor engineers because of feedback and other problems. But these are things you really learn on the road.

As for microphones and desk I couldn't really be fussy about that as I was being sponsored by the recording service too and I didn't want to be a pain in the arse for anybody. I had the usual SM57s, 58s, D112s, an Audix set for the kit, a couple of condensers for the overheads (I don't even remember which ones actually!), one for the hi hat and that was it. I decided to use the stereo direct outs of my Duoverb straight into two channels. Perhaps this wil probably turn up most of the world of sound engineers' and guitar players' nose but I have my philosophy about this: make it very simple when you know what you're doing. I absolutely love the sound of my Duoverb direct outs. Incredibly well engineered and modeled, they deliver what I expect to hear. And I don't really care about micing up a guitar amp when I can get a great sound in a different and much easier way. I used a couple of 57s for the Hammond horn and the D112 for the bottom, plus every out going to DI boxes. For Fabrizio's guitar amp, a Marshall JCM 900 head going to the usual 4x12 slanted cab, I used a 57 but DIing the guitar too. Bass guitar straight in the DI and then to an Ampeg head.That was it for the 23 channels. Stefano D'Errico and Emanuele Corasaniti took full care of the stage setup and Emanuele was then in charge of the recording with Stefano assisting him. Finally with the recording gear in place too, I started to feel the adrenaline rush coming.

To be continued...


Trovare le persone giuste con cui lavorare e' un elemento fondamentale quando si ha una visione chiara di cio' che si desidera. E' un compito difficile anche perche' il piu' delle volte le persone giuste non sono necessariamente le "migliori" in una particolare abilità. Naturalmente la competenza e' di primaria importanza, ma la cosa piu' importante e' che riescano a percepire la tua visione. E' inutile lavorare con i migliori musicisti se poi non capiscono la tua musica cosi' come e' inutile lavorare con grandi registi che magari poi non capiscono quello che vuoi. In questa mia impresa, come ho gia' sottolineato molte volte e probabilmente faro' di nuovo, sapevo esattamente quello che volevo ed ero assolutamente sicuro di poterlo realizzare con una buona squadra di ragazzi entusiasti purche' vedessero quello che io vedevo. Sono molto orgoglioso di questo, ovvero di aver trovato le persone giuste.

Ci sono probabilmente centinaia di musicisti la' fuori, che sono tecnicamente eccezionali. Soprattutto in questa epoca di informazione globale. Ogni giorno vedo qualche nuovo "talento" su YouTube. Ragazzini che tecnicamente mi seppellirebbero. Ma non e' cio' che io intendo per arte e per teamworking. La maggior parte di questi nuovi "talenti" che vedo su YouTube (per fortuna non ho un televisore da almeno un decennio) sono dei "one man show". Possono suonare migliaia di note al secondo, ma non riescono a trasmettere alcuna emozione mentre suonano, ne' probabilmente a capire cosa significhi suonare in ensemble. Avrei potuto scegliere alcuni di questi ragazzi (ce ne sono parecchi anche da queste parti) ma ho seguito il mio istinto, ancora una volta, che da sempre mi suggerisce di non condividere il mio palco con quel tipo di musicisti. Volevo solo una band di ragazzi solidi e tranquilli che riuscissero a capire quello che avevo in mente e forse sentire quello che sento quando suono la mia musica. E li ho trovati. Scommetto che la cosa piu' insolita che hanno notato quando mi hanno conosciuto e' stato il mio approccio durante le prove. Sono stato in bands per anni e credo che sia stato proprio per questo tipo di approccio che sono andato vicinissimo ad essere messo sotto contratto negli Stati Uniti con la mia ex band. Ho anche fatto l'esperienza di suonare con alcuni musicisti che praticamente non provano mai, certi delle loro competenze tecniche e di essere in grado di imparare le parti perfettamente, ma questo metodo a mio parere non prende in alcuna considerazione il lato emotivo della musica, che credo sia andato perduto soprattutto nel jazz contemporaneo. In realta', mi piace trascorrere molto tempo a provare. Ma non per imparare le parti. Questo e' meno importante seppur fondamentale. Mi piace provare perche' mi piace costruire le dinamiche della band con il solo scopo di servire i testi e, infine, l'espressione delle emozioni. Difatti scrivo gli arrangiamenti esclusivamente con i testi in mente. Mi ritengo un musicista molto emotivo e la cosa che davvero odio di piu' e' la mancanza di dinamiche nella mia musica. Proprio non la sopporto. E' come un'eresia per me! Cosi', mentre altri musicisti si fissano sulle parti in una sorta di atteggiamento maniacale, io sono molto esigente in fatto di dinamica. E groove, naturalmente. Quando ho iniziato a provare con i ragazzi, ho notato i loro sguardi smarriti e allo stesso tempo me la ridevo un po'. Hanno percepito che stavano avendo a che fare con qualcosa di insolito e allettante.

Trovata la band, la location, il diettore della fotografia, il regista ed i cameramen dovevo adesso occuparmi della parte riguardante la registrazione audio del concerto. La prima cosa da fare e' stata quella di trovare il service. Conoscevo il proprietario di un service per cui avevo lavorato per qualche tempo alcuni anni prima nella mia citta' e dintorni, appena tornato da Londra ed in fase di recupero dalla depressione. Il suo nome a' Pasquale Saltalamacchia e l'ho chiamato alcuni mesi prima delle riprese per chiedergli se poteva darmi una mano. Abbiamo discusso di un accordo (piu' o meno lo stesso che avevo fatto con il teatro) e lui ha accettato, chiedendomi soltanto di pagare una tariffa giornaliera a Stefano D'Errico, tecnico di palco e assistente fonico. Queste due offerte mi hanno salvato il culo in termini di budget. In effetti stavo cercando di produrre praticamente senza soldi qualcosa che sarebbe apparso molto costoso. Non smettero' mai di ringraziare il Teatro Tata' e il Saltuin Recording Service di Pasquale per l'aiuto che mi hanno dato. Non avrei potuto farcela senza di loro.

Per quanto riguarda la registrazione del suono ho parlato con un giovane e talentuoso fonico, Emanuele Corasaniti, che pure era stato un mio allievo nel corso menzionato. E' un gran lavoratore, che sta guadagnando un sacco di esperienza nel campo dell'ingegneria audio dal vivo. Era entusiasta del progetto e ha accettato di lavorare in squadra.

La configurazione doveva essere molto semplice. 23 canali (tra microfoni e linee) che entrano in un banco Behringer X 32 con preamplificatori MIDAS e poi dritti in flat nel mio sistema Pro Tools. 23 tracce registrate dal vivo da sincronizzare alle riprese. Anche in questo caso, ogni singolo dettaglio tecnico era nella mia mente e sapevo bene quello che stavo facendo. Se penso a me stesso a volte non riesco a credere a quello che ho raggiunto fino ad oggi in termini di know-how. In media i musicisti hanno competenze molto scarse nell'ambito della registrazione, quasi nessuna conoscenza del mixing, sicuramente nessuna di mastering. Chiaramente non hanno idea di come impostare una sessione di registrazione dal vivo con una full band. Per fortuna conosco bene il mio lavoro. Quando ero a Londra, ho studiato ingegneria del suono e ho finito per insegnarla per nove lunghi anni. All'inizio insegnavo Logic Audio nel reparto tecnologia musicale, e come utilizzare una glorioso banco SSL G+ e degli Studer A800 a nastro nel reparto registrazione audio. A poco a poco sono passato a Pro Tools e ai banchi digitali. Finalmente ho finito per lavorare agli Sphere Studios (ora trasferiti a Los Angeles), una dei piu' grandi strutture della citta'. Mi ci sono fatto le ossa osservando gente come Chris Kimsey, Glyn Jones e Don Gilmour lavorare con artisti come Duran Duran, Muse, Queen, Narada Michael Walden, Andy Fairweather-Right, David Sylvian e altri ancora. Nel 2004, mentre ero a Sphere a lavorare, Simon Le Bon veniva di tanto in tanto a bussare alla porta dello Studio 2, dove stavo mixando alcune cose sull' enorme SSL J 72, e sedendosi accanto a me ascoltava il mio lavoro. La maggior parte delle volte gli piaceva. E' stata per me un'esperienza di lavoro eccezionale. Ed e' per questo che ho potuto fare quello che ho fatto quest'anno.

Ovviamente mi ci e' voluto del tempo per sistemare l'intero setup. L'ho messo su carta con grande anticipo e l'ho inviato via email allo staff e alla band. Ho disegnato il layout del palco e posizionato gli strumenti su di esso in modo simmetrico. Bassista a sinistra e batterista a destra del palco e Lorenzo, il batterista, ha giustamente suggerito di invertire la posizione degli strumenti per consentire al bassista di avere una buona visuale del charleston. Di conseguenza la disposizione della band prevedeva ora Fabrizio alla chitarra all'estrema sinistra, Lorenzo alla batteria a centro sinistra, Pierpaolo al basso a centro destra e Fabio alle tastiere all'estrema destra. Io al centro del palco con il mio fedele vecchio ampli Line 6 Duoverb proprio dietro di me. Volevo due monitor collegati davanti a me mentre gli altri membri della band ne avevano uno ciascuno. Potrebbe sembrare che Il motivo per cui volessi due monitor sia perche' voglio piu' volume sul palco. In realta' e' esattamente il contrario. Come ho detto, non mi piacciono i volumi alti. Avere due monitor invece di uno significa avere un suono piu' diffuso, evitando di saturare un solo altoparlante. Un suono piu' diffuso mi permette di mantenere i monitor piu' silenziosi rispetto ad averne uno solo (odio gli auricolari e penso che non li usero' mai sul palco). Questo, ovviamente, e' molto importante quando una registrazione e' in corso, perche' permette di tenere sotto controllo lo "spillage" dei microfoni. Inoltre, non voglio la mia chitarra nei monitor perche' i 120 watt del mio combo stereo sono piu' che sufficienti e non mi piace nemmeno avere parecchia voce nelle spie. Appena un po' per evitare di andare fuori tono. Davvero non capisco i cantanti che vogliono la loro voce altissima nei monitor. Mi sa di poco talento e mancanza di professionalita'. Come si fa ad avere la voce altissima nei monitor e a malapena sentire tutto il resto? Un buon mix e' necessario anche sul palco, credo, e se si tiene la voce altissima nei monitor vuol dire che non si sa nemmeno come ascoltarsi usando il proprio orecchio interno. Per non parlare del fatto che il tutto e' causa di stress per i fonici di palco per via dei feedback e di altri problemi. Ma queste sono cose che si imparano davvero solo in tour.

Per quanto riguarda i microfoni e il banco non potevo essere molto esigente perche' il service mi stava gia' dando una mano e non volevo rompere le palle a nessuno. Avevo a disposizione i soliti SM57, 58, D112, un set Audix per il kit, un paio di condensatori per i panoramici (non ricordo nemmeno quali fossero!), uno per il charleston e basta. Ho deciso di usare le uscite stereo del mio Duoverb in diretta su due canali. Forse questo fara' probabilmente storcere il naso ai piu' nel mondo dei fonici e dei chitarristi ma ho la mia filosofia, ovvero rendi tutto il piu' semplice possibile se sai bene quello che stai facendo. Adoro il suono delle uscite dirette del mio Duoverb. Sono incredibilmente ben progettate e modellate e mi danno quello che mi aspetto di sentire. E non mi interessa davvero microfonare un amplificatore per chitarra quando posso ottenere un grande suono in un modo diverso e molto più facile.

Ho usato un paio di 57 per la tromba dell'Hammond e il D112 per il suo basso, piu' ogni uscita in DI box. Per l'amplificatore della chitarra di Fabrizio, una testata Marshall JCM 900 con la solita 4x12, ho usato un 57 mandando comunque la chitarra in DI. Basso elettrico dritto nella DI e poi in una testata Ampeg. In tutto 23 canali. Stefano D'Errico ed Emanuele Corasaniti hanno gestito il setup sul palco ed Emanuele e' stato responsabile della registrazione con Stefano ad assisterlo.

Dunque, con tutto l'equipaggiamento a posto ho iniziato a sentire la botta di adrenalina che arrivava.

To be continued...

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